河井寬次郎の転機をたどる　静嘉堂「民藝SHOCK!!」が問う暮らしの美

名の知れた陶芸家の作品から、名もない職人の仕事を見直す。静嘉堂文庫美術館で開催中の「民藝SHOCK!!―没後60年 静嘉堂の河井寬次郎」は、そんな往復を促す展覧会だ。会場は東京・丸の内の明治生命館1階。9月5日に始まり、11月8日まで開かれる。^[1]

河井寬次郎（かわい・かんじろう、1890〜1966年）を記念する今回の展示は、作陶の全生涯を等しくたどる回顧展ではない。館蔵品51件は1924年から1937年頃の作品で、昭和初期に重点がある。同館によると、全件公開は初めて。古陶磁から学んだ技術を、暮らしに結び付く造形へと向け直した時期を考える機会となる。^[2]

「用の美」は、素朴な見た目だけを指さない

民藝という言葉を、茶色い器や昔ながらの暮らしの印象だけで捉えると、寬次郎の仕事の幅を見失う。日本民藝協会が説明する民藝の特性には、実用性、無銘性、複数性、廉価性などがある。名声ある作家の一点物より、日常の必要に応え、広く使われる品に美を認める考え方だった。^[7]

ここでいう実用性を、単に「物が入る」「壊れにくい」という機能に縮める必要はない。器の口と胴の釣り合い、持ち上げる手の動き、食べ物を受け止める面の広がり。使う人との関係を想像すると、形を見るための問いが増える。美術館では手に取れなくても、器が暮らしのどこに置かれるかを考えることはできる。

一方、有名な陶芸家の作品を、無名の職人による日用品と同一視することもできない。寬次郎は民藝運動の担い手であり、個人の創作を続けた作家でもある。その二つの立場が交わるところに、今回の展示を読む面白さがある。民藝を一つの作風の名称として覚えるより、その間で何が変わったかを見たい。

釉薬を研究した青年が、作り方の目的を問うまで

寬次郎は島根県の現在の安来市に生まれ、1910年に東京高等工業学校の窯業科へ進んだ。卒業後は京都で陶磁器の試験研究に携わる。1921年、東京と大阪の高島屋で開いた最初の個展では、東アジアの古陶磁に学んだ作品が評価された。『日本美術年鑑』の年譜には、1924年に濱田庄司（はまだ・しょうじ）を介して柳宗悦（やなぎ・むねよし）との親交が深まったことも記されている。^[4][2][6]

最初から技術を退けて、素朴な器を選んだ人ではなかった。釉薬や焼成の知識を積み重ね、古い名品の手法を現代に生かす道で出発している。この経歴を踏まえると、民藝との出会いは技術の放棄というより、技術を何のために使うかという問いの変化として捉えられる。

日本民藝館の解説は、初個展の成功後に寬次郎が自分の仕事に疑問を抱き、柳との交流を通じて作風を変えたと説明する。同館が所蔵する約250点の河井作品は、すべて柳が選んだものだという。現在残る作品群もまた、作る人だけでなく、選ぶ人の判断によって形づくられている。^[9]

1925年の造語、1926年の構想

日本民藝協会の年譜によれば、1925年12月、柳、河井、濱田の3人が紀州への旅の途中で「民藝」という新語を生んだ。翌1926年4月には富本憲吉を加えた4人の連名で「日本民藝美術館設立趣意書」を配布した。今年はその構想から100年に当たる。造語の年と、設立を呼び掛けた年は区別しておきたい。^[8]

構想はすぐに駒場の美術館になったわけではない。日本民藝館の沿革は、大原孫三郎らの支援を受けて1936年に開設されたと伝える。1928年の博覧会では、生活空間そのものを提案する「民藝館」が出品されていた。品を集めることに加え、それらとどう暮らすかを示す運動でもあった。^[5]

古い道具に新しい名前を与え、美術館で見せ、出版物で論じる。それは失われかけた物を保存するだけの営みではない。それまで別々の場所で使われていた物に共通の価値を見いだし、見る人へ伝える仕事でもある。民藝を遠い過去から自然に続く趣味と考えるより、近代に生まれた美の提案として見る方が、その強さも限界も分かりやすい。

英国、朝鮮半島、中国、日本の器が交わる

展示目録には、英国の18〜19世紀のスリップウェア、朝鮮時代の陶磁器、日本各地の民窯の品が並ぶ。寬次郎の《流し描鉢》は1931年頃の作。日英目録の英語解説は、白いスリップで二つの手を表した鉢としている。スリップは泥状の粘土で、ここでは表面の文様を形づくる材料となる。^[3]

手の動きによって器の表面に線を置くという点に注目すれば、国や時代の異なる作品を比較する足掛かりができる。同じ文様に見えるかだけでなく、器の形が線の向きをどう変えるのか、繰り返しがどのようなリズムを作るのか。比較は、どちらが優れているかを決めるためでなく、作る際の選択を読み取るために役立つ。

また、柳の関心が朝鮮の陶磁器を通じて深まったことは、日本民藝館の日本語解説が詳しく伝えている。当時の朝鮮は日本の植民地支配下にあった。同館は、柳が朝鮮の人々に敬意を寄せ、日本政府の施策を批判したことも記す。民藝の交流を語る際には、作品への憧れと、それが置かれた政治的な関係をともに見ておく必要がある。^[6]

したがって、民藝を日本だけで完結した美意識としてまとめることは難しい。各地の作り手が育てた仕事を、誰が選び、どの言葉で紹介するのかという問題も残る。朝鮮の器や英国の皿を、寬次郎の創作を説明するためだけの脇役にせず、それぞれの生活文化から生まれた物として見る視点が大切になる。

同じ「曜変」という名でも

今回は国宝《曜変天目（稲葉天目）》と、寬次郎の《曜変壺》《曜変櫛目盒子》も出品される。しかし静嘉堂の解説は、寬次郎が当時意識していた「曜変」が、現在の分類と同じだったかは確かでないとする。同じ名称を用いたことを、国宝の発色を再現した証拠にはできない。^[2][3]

この留保は、鑑賞の妨げではない。むしろ、昔の作者がどのような資料を読み、何を知り、何を試せたのかを考える入り口になる。形や色が似ているだけでは、特定の古作品を実見した証拠にはならない。影響関係を想像する楽しみと、史実として確かめられる範囲を分けることで、研究の面白さが見えてくる。

岩﨑家の収集と、生活のための美

静嘉堂の収集は、三菱の岩﨑彌之助と岩﨑小彌太の父子によって築かれた。1892年に始まった文庫は、その後、美術品を公開する場へと発展し、2022年10月から丸の内で展示活動を行っている。今回の会場には、民藝の理念だけでなく、美を集め、守り、公開してきた側の歴史も重なる。^[10]

日常の安価な道具に美を認める考えが、収集家の選択を経て、美術館の保護を受ける。その過程は、美を多くの人へ伝える一方、物を本来の使い道から離してもいく。展示室で器を見ながら、その矛盾を解消する必要はない。保存されたからこそ比較できることと、使わなければ分からないことの両方を意識すればよい。

京都に残る、仕事と暮らしの場

丸の内の展示から別の広がりを与えるのが、京都に残る河井寬次郎記念館だ。京都市の文化芸術情報によると、1937年に寬次郎自身の設計で建てられた住居兼仕事場で、陶房や窯も残る。陶芸に加え、木彫、金工、書などの仕事が紹介されている。^[11]

器だけを見る時には背景へ退いていた、家具、部屋、働く場所が前面に出てくる。暮らしの中で美を考えた人を理解するには、代表作を数点覚えるだけでは足りない。毎日触れる物と制作する物の距離を縮めようとした、その生活全体へ目を向ける余地がある。

寬次郎が亡くなったのは1966年11月18日。没後60年の今年、その作品を見直す意味は、巨匠という評価を確認することだけにない。技術を磨いた人が、自分の成功を支える価値観まで問い直したこと。その問いをたどった後では、家にある一つの鉢も、少し違う見え方をするはずだ。^[4]

鑑賞のための基本情報

会場は静嘉堂＠丸の内。通常は10〜17時、最終入館は閉館30分前。一般1500円、大学生・高校生1000円、中学生以下無料。月曜休館だが9月21日と10月12日は開館し、9月24日と10月13日は休館。夜間開館日などの詳細は公式案内で確認できる。^[1]

一部作品は展示替えがある。出品目録では前期が9月5日〜10月12日、後期が10月14日〜11月8日。目当ての作品がある場合は、作品番号と展示期間を確かめたい。^[3]